DIALOGHI PER LA PACE
A Venezia al Conservatorio “Benedetto Marcello”.

AUDRE LORDE E IL FEMMINISMO
di Anna Rutigliano

Audre Lorde

 
Precorritrice del femminismo intersezionale (Intersectional Feminism), portato nelle aule dei tribunali, nel 1989, dalla giurista Kimberlé Crenshaw e, uno dei concetti cardine delle teorie sociologiche, l’attivista Audre Lorde, emigrata dalle terre caraibiche e nata nel quartiere newyorkese di Harlem, sperimenta presto le differenti forme di oppressione che giungono, come lame taglienti ed intersecantisi, da una società che mina continuamente alla dignità individuale e collettiva delle minoranze, in cui razza, genere e classe sociale non sono altro che etichette atte a rendere marginale, se non assente, la partecipazione attiva nella sfera socio-politica statunitense. Ma lo spirito indomito di Audre Lorde, al pari dell’unicorno nero, componimento poetico e titolo dell’omonima raccolta The Black Unicorn (1978), pur cosciente della libertà negata dal potere dominante, fa, del proprio dolore, la forza propulsiva di denuncia e di lotta contro le ferite aperte dalle ingiustizie sociali: decisivi, sono per la scrittrice, gli anni di insegnamento a Berlino, in cui conduce una battaglia politica con le attiviste nere della capitale tedesca, dando vita al movimento “Afro-German Black Movement”.
Nel suo saggio What is Freedom? , appartenente alla raccolta Between Past and Future, pubblicata nel 1961, (Che cos’è la Libertà?), la scrittrice e filosofa Hanna Arendt, conducendo un’analisi relativa al concetto di politica, durante i totalitarismi del novecento, considera libertà e politica in una relazione di reciprocità, in cui la libertà è la ragion d’essere della politica, la quale si manifesta nell’azione: la polis greca fu appunto quella forma di governo che forniva agli uomini uno spazio  nel quale agire e dove la libertà poteva fare la propria comparsa. Sebbene i regimi totalitari abbiano dimostrato l’esatto opposto, relegando la libertà a fuga dell’Io interiore da un mondo devastato dagli orrori della guerra, è con la scrittura poetica, elevata a denuncia politica, che la libertà di espressione d’identità e del suo riconoscimento all’interno dello spazio politico-sociale, di qualunque genere, razza e classe sociale si tratti, raggiunge, nelle opere della Lorde, la sua massima espressione. Vale sempre il medesimo discorso per tutti quei contesti in cui la libertà di manifestare la propria dignità di essere umano venga minacciata: il linguaggio, nella sua forma verbale e non, assurge a mezzo di resistenza e spazio in cui neutralizzare qualunque forma di oppressione perché, come leggiamo ancora nei versi di Audre Lorde in A Litany for Survival (Preghiera per la Sopravvivenza),  inserita nella raccolta The Black Unicorn: “se per chi come noi, nacque con la paura impressa sul proprio corpo… ma nel silenzio continuiamo ad avere paura, tanto vale parlare, ricordando che non era previsto che sopravvivessimo”, (“For those of us who were imprinted with fear… but when we are silent we are still afraid, so it is better to speak remembering we were never meant to survive”.

L’Unicorno nero
 
L’unicorno nero è ingordo,
impaziente,
scambiato per un’ombra o un simbolo,
l’unicorno nero fu portato verso una terra fredda,
in cui la nebbia dipinse le beffe della mia irruenza.
Non sulle sue ginocchia riposa ora il corno,
ma cresce nel profondo
della cavità lunare.
L’unicorno nero è irrequieto,
implacabile.
L’unicorno nero non è libero.

 

 

ARTE
di Zaccaria Gallo

 
Rivoluzionari

Esco dall’aver visitato una Mostra, con negli occhi e nel cuore un debito di riconoscenza e anche una convinzione: mi piacciono i rivoluzionari. Nel corso della storia moltissime volte si sono dimostrati necessari. A Barletta, nell’antico bellissimo Palazzo Della Marra, sono esposte le opere pittoriche di un gruppo di pittori dell’Ottocento con il titolo di “I Macchiaioli al tempo di De Nittis” e “Pranzo a Posillipo”. Il progetto scientifico è incentrato sull’incontro tra De Nittis ed il Movimento dei Macchiaioli e nasce dalla volontà di studiare, in modo completo e approfondito, la figura dell’artista barlettano, in rapporto all’ambiente e alla storia dell’arte sia italiana che europea della sua epoca. Il legame tra la Scuola Macchiaiola e De Nittis è indubbiamente un aspetto e una peculiarità da non sottovalutare nello studio dell’artista, perché fa parte, insieme alla fondamentale esperienza della Scuola di Resina, della sua eredità italiana che andrà ad interagire con i suoi successivi incontri con realtà e personaggi francesi. La mostra “Pranzo a Posillipo” è invece incentrata all’esposizione di uno straordinario e iconico dipinto proveniente dalla prestigiosa Collezione Grassi della Galleria d’Arte Moderna di Milano. 

De Nittis: Pranzo a Posillipo

Un’opera rivelatrice, in quanto apre la strada ad una nuova maniera di dipingere dell’artista barlettano, che verrà esplicitata poi nelle ultime opere che precedono la sua morte. Un capolavoro, quasi sconosciuto, spesso etichettato - come scritto anche da Diego Martelli - come una trasposizione napoletana dell’atmosfera dei Café Chantant. Ma, io sono stato conquistato dai rivoluzionari. In un'epoca in cui le notti erano illuminate dalle fiamme delle candele, i Macchiaioli, portarono la loro luce, elemento essenziale della loro pittura, che servì per rappresentare un mondo e degli ideali nuovi. È a metà degli anni 50 che nasce questo movimento artistico sotto l’etichetta della macchia, termine coniato, in verità, in modo dispregiativo dalla critica. Ed invece era tutt’altro. Creare un modo di vedere, e conseguentemente di rappresentare la realtà, attraverso una rivoluzione tecnica e tematica del tradizionale concetto di estetica ottocentesca: un'arte diversa da quella del passato, nuova, che avesse la capacità anche di aiutare la stessa Italia a rinnovarsi e crescere. Sì, furono spiriti rivoluzionari! Nel visitare questa mostra, se ne trae la sensazione in ogni dipinto esposto. Era quella l’Italia in cui trionfava ancora il romanticismo e l’arte era quella che si insegnava nelle accademie. 

Il pubblico e la critica che, poi, era quella che decretava il successo degli artisti nelle esposizioni, amava la cosiddetta pittura di storia, che rievocava il passato. I Macchiaioli si oppongono e la loro lotta e la loro rivoluzione è una rivoluzione contro l’accademia, attraverso una pittura diversa, nuova, che non si era mai vista. E, visitando la mostra, si vede benissimo qual è il salto che avviene: portare fuori dallo studio, dall’atelier accademico, il cavalletto, nelle campagne, con un contatto, un approccio diretto con la natura. In questo paesaggio scabro, severo, essenziale, le figure appaiono come delle macchie più scure sullo sfondo più chiaro più luminoso. E sono come bloccate, come rese in una istantanea fotografica, che contribuisce a rendere quasi sacra la serietà del lavoro degli ultimi, degli umili. La luce della natura non rappresenta l’istante, come per gli impressionisti, ma un tempo molto più dilatato, un tempo che coincide con la vita e con il sentimento. Tutta la natura doveva essere rappresentata, perché tutta la natura aveva il diritto di appartenere alla categoria della natura con la N maiuscola. 

Era la concezione di una realtà fenomenica egualitaria e democratica che, nei Macchiaioli, di fatto si scontrava contro un'arte che era espressione dei ceti egemoni, quella appunto che non ammetteva, nella categoria della natura, gli uomini umili, gli ultimi. Una pittura che non è più solo disegno, ma ha una sua libertà: nasce dal desiderio di raccontare la quotidianità, di raccontare la realtà, come qualcosa di sincero e dal desiderio di sovvertire le vecchie regole accademiche. Un modo di dipingere che riesce a catturare la luce solare en plein air, ed è quella luce solare che illumina per la prima volta tutti gli aspetti della realtà, che non adatta la realtà della natura al suo stile, ma adatta la persona alla necessità dello stile, alla presenza della natura umana. I Macchiaioli fanno discendere la loro concezione egualitaria e democratica della natura, non solo da principi di tipo politico, ma anche da raffinate premesse intellettuali. Infatti non bisogna dimenticare che il Caffè Michelangelo, dove si riunivano i Macchiaioli toscani (Signorini, Fattori, Cabianca, Abbati, Borrani e altri) porterà un contributo al gruppo, in termini di conoscenze di cultura e di letteratura Europea francese fortemente significativo: introdurrà alla lettura di Pierre Joseph Proudhon, il filosofo anarchico, che aveva scritto che la proprietà è un furto. Signorini, per fare un solo esempio, che ne aveva grande ammirazione, nella propria biblioteca possedeva varie edizioni delle sue opere. Inoltre, nasce anche, durante i loro incontri, la decisione di adottare un modo nuovo nel porsi davanti alle immagini da dipingere. I Macchiaioli sono i primi in Italia a inaugurare l’utilizzo del cosiddetto specchio nero Claude, che altro non era che uno specchio convesso dalla lente nera annerita e che i pittori solevano mettere davanti a loro, aperto, in modo che potessero dipingere sulla tela l’immagine che dalle loro spalle si rifletteva sullo specchio nero. Per loro significava scoprire una luce nuova, scoprire tutti i cambiamenti che questa luce può avere nella natura e da questa all’interno del dipinto. 

La loro esperienza precede un’altra esperienza fondamentale, che è quella degli impressionisti in Francia, ed è per questo che, spesso, i Macchiaioli sono accostati agli impressionisti; ma è bene ricordare che l’esperienza dei Macchiaioli risale alla fine degli anni cinquanta dell’800, mentre la prima esposizione impressionista risale al 15 aprile 1874 avvenuta nello studi0 del fotografo Nadar in Boulevard des Capucines a Parigi. E ci furono anche delle condizioni politiche e sociali diverse in cui si svilupparono queste due correnti artistiche: i Macchiaioli furono il frutto dell’Italia di quel tempo, non era la Francia, essi non vivevano in una nazione, vivevano in un cambiamento. E tutto questo ce lo raccontano e ce lo raccontano con una sincerità a mio modo di vedere meravigliosa. Potremmo dire usando, un’espressione dei nostri giorni, che sono stati veramente rock, nel senso, che con la loro vivacità, in un mondo immobile, sono stati dei veri rivoluzionari e che infischiandosene delle convenzioni e delle consuetudini indicano ancora oggi ai nostri giovani come costruire il proprio futuro.

 

 

  

IL PENSIERO DEL GIORNO
di Laura Margherita Volante 

Laura Margherita Volante

 
“La fatica di esistere concede l’ultimo giorno di vacanza,
che è come la vita, prima della partenza... il più bello.
Prima del commiato dalla malattia”. 

RIVISTE

“Materiali di Estetica” è dal 1999 una delle più note e apprezzate riviste di estetica in Italia. Nata nel 1999, ha ospitato fin dall’inizio i saggi di alcuni tra i maggiori esponenti della disciplina, affermandosi come autorevole periodico scientifico nel variegato panorama degli studi estetologici nazionali e internazionali. L’originaria ispirazione fenomenologica, riconducibile agli studiosi della «Scuola di Milano», ha offerto notevoli impulsi al dibattito filosofico contemporaneo, dando vita a un proficuo dialogo tra posizioni anche molto diverse tra loro. Il termine “Materiali” è derivato dalla rivista (attiva fino a qualche anno fa) “Materiali Filosofici”, diretta da Fulvio Papi che della tradizione banfiana resta a tutt’oggi l’erede diretto più qualificato e che ha coniato l’appellativo di “Scuola di Milano”. Richiamandoci a uno dei principali rappresentati della Scuola di Milano, alla domanda: “Cosa ha diritto di chiamarsi ‘estetica’?”, risponderemmo con un passo di Giulio Preti (uno tra i maggiori allievi di Banfi), che giustamente Ermanno Migliorini (suo diretto allievo) giudica valido anche per l’estetica e per la filosofia dell’arte (nel loro ambito specifico). La filosofia, “Preti amava ripetere, secondo una definizione che aveva fatta sua, è un livello di metariflessione il cui oggetto si sposta continuamente”. “Materiali di Estetica”, però, non è mai stata semplicemente una sede qualificata per accogliere i saggi di eminenti studiosi che hanno già raggiunto un alto e riconoscibile profilo scientifico, ma ha saputo anche aprirsi ai giovani ricercatori alle prese con le prime pubblicazioni, garantendo loro la possibilità di dare diffusione ai risultati del proprio lavoro. Fondamentale, infine, l’impegno a rendere familiare al lettore italiano, grazie a un paziente lavoro di traduzione, scritti meno noti di autori noti o meno.   

Direzione: Deianira Amico, Alice Barale.
Comitato direttivo: Silvana Borutti, Gabriele Scaramuzza (coordinatori), Mauro Carbone, Maddalena Mazzocut-Mis, Fabio Minazzi, Markus Ophälders, Daniele Papi, Sabrina Peron, Stefano Raimondi, Hans Rainer Sepp, Gianni Trimarchi.   
Comitato scientifico: Manuele Bellini, Alessandro Bertinetto, Laura Boella, Fernando Bollino, Francesca Calabi, Tiziana Canfori, Matteo De Toffoli, Roberto Diodato, Sotera Fornaro, Angelo Gaccione, Roberta Guccinelli, Elena Madrussan, Rosalba Maletta, Sandro Mancini, Giovanni Matteucci, Augusto Mazzoni, Andrea Mecacci, Carlo Montaleone, Cristina Muccioli, Luis Puelles, Giovanni Rota, Claudio Rozzoni, Franco Sarcinelli, Carlo Serra, Giorgio Tinazzi, Paolo Valore, Amedeo Vigorelli, Daniel Weidner, Chiara Zamboni, Claus Zittel.    
Redazione:
Gaia Alfieri, Manuel Mazzucchini, Pier Alberto Porceddu Cilione,  Jasmin Prezioso.  
   
Direttore responsabile: Sabrina Peron.   
 
Ripartizione interna di ogni numero:
- Presentazione del/dei Curatori
- Saggi 
- Contributi speciali
- Segnalibro  
- In Memoriam
 
https://riviste.unimi.it/index.php/MdE/issue/view/1971.

SCAFFALI
di Renzo Vidale

 
I Fotogrammi di Mariacristina Pianta.
 
Maria Cristina Pianta aggiunge alle sue numerose pubblicazioni questa nuova raccolta che, soprattutto nella sezione intitolata Balerna, si presenta in continuità con i temi da lei prediletti e tra loro strettamente connessi: la memoria del passato e l'azione devastante del tempo sui ricordi. Sul piano formale la poetessa prosegue nella ricerca di una estrema sintesi grazie a un linguaggio che sempre più si sforza di eliminare il superfluo (in ciò è più che mai presente la lezione dell'amico Giampiero Neri). Il rarefarsi della sua scrittura nel tentativo di fissare l'istante in pochi e brevi versi, sembra ispirarsi in modo libero e personale, come già avveniva nei suoi ultimi scritti (v. Villa Belloni), al modello dell’haiku. Sul piano dei contenuti, gli episodi del passato sono solamente accennati, i fotogrammi che danno il titolo alla raccolta mettono in evidenza suoni e silenzi all’interno di scenografie essenziali, e ciò li fa assomigliare più alla colonna sonora di un film minimalista che non ad immagini ricche di dettagli scattate con una macchina fotografica. Ecco qualche specimen di quanto detto: nella poesia iniziale che introduce il libro “scivolano le parole / su desolate campagne”; nella poesia successiva “Leggeri sulla soglia / i passi e la voce di Olga”; in La nipote ecco apparire “Tra rauchi suoni / di piatti e posate / il ricordo / di musica e danza”; poi la donna che “con un breve suono / si annuncia... Un tempo ballerina / in silenzio segue / la nuova famiglia” (In visita); infine, in Epilogo, “(....) quella / casa, custode / di parole e silenzi”.  Nella bella poesia che apre la raccolta Maria Cristina Pianta ci parla implicitamente del processo che porta al recupero dei “giorni lontani”, grazie all’arrivo di “parole nuove”.
Non si tratta infatti di rievocare il passato in modo semplicemente descrittivo, attraverso quella che Proust chiama “memoria volontaria”. È il passato che s’incarica di irrompere nel presente, che a sua volta lo condiziona e lo trasfigura. Diceva Bachelard che i nostri ricordi sono intessuti anche dai nostri sogni attuali. La poetessa, attraverso il mistero della scrittura, trattiene allora qualche sfuggente lembo del suo passato, lo ricuce e, in un certo senso, lo reinventa, attribuendogli così una vita che prima non aveva: “Torna la luce di nuove parole. Più non temono il corso del sole” (Parole). La memoria è però destinata fisiologicamente alla dissoluzione: “I giorni lontani (...) si schierano tutti / tra nebbie autunnali” (che richiamano “la mia nebbia di sempre” di Montale). Il fallimento finale è inevitabile. Pianta ne è più che mai consapevole, e contro il trascorrere implacabile del tempo si affiderà nelle pagine successive all’immagine del faro, come simbolo di una resistenza che comunque deve essere messa in atto finché possibile: “Immobile il faro / domina il tempo” (anche se i venti e i marosi solo temporaneamente sospendono la loro azione disgregatrice). L’affievolirsi dei ricordi produce però inevitabilmente una perdita di senso: “Riprende il ricamo dimenticato, invano cerca un senso nell’intreccio dei fili” (In visita). Ne derivano una sensazione di smarrimento e di chiusura degli orizzonti spaziali e temporali, presenti anche nelle due sezioni successive, Percorsi, e La scuola. Per esempio in Percorsi: “Bloccata l’uscita” (Il labirinto della Masone); “Scomparso il sentiero / non si scorge / la via del ritorno” (...) “Inquietante il percorso / senza vie d’uscita” (Ombra); “(...) nell’informe groviglio del tempo” (In viaggio); “Inutile sembra l’attesa” (Attesa). Perfino il cielo azzurro, nel quasi haiku L’airone, assume tonalità più malinconiche perché in esso è svanito il bellissimo uccello. Nella sezione La scuola un insegnante “Traccia oscuri segni / sulla lavagna (...)più non scorge / un percorso oltre / formule note”. (Lezione di matematica). Questa inquietudine percorre anche le precedenti pubblicazioni della poetessa ed è riassunta in modo esemplare nel titolo di un libro curato nel 2003 con il suo amico Alessandro Quasimodo: O forse tutto non è stato. Nell’ultima sezione Maria Cristina Pianta affronta argomenti un po’ più rasserenanti e delinea, con brevi ma sicuri tocchi, i ritratti di persone care e di amici, imponendo alla propria scrittura il rispetto dell’acrostico dei loro nomi. In quello intitolato Giorgio appare però nuovamente una nota malinconica: “Ma chiuse le imposte, / incolto il giardino, / più non si apre il cancello”. I Ritratti sono dedicati senza soluzione di continuità (solo uno dei disegni che illustrano il libro li separa dai precedenti) anche agli amici non umani che Pianta ha sempre amato e frequentato, i gatti, cioè alla specie animale più misteriosa e più filosofica (Baudelaire li definì “Immense sfingi”). Avvolti nella corazza della loro impenetrabile solitudine, rappresentano per l’autrice, proprio come il faro, un simbolo della resistenza contro l’azione del tempo: “Scorre tranquilla / la vita, senza scosse / tra i soliti riti (Mafalda).

 

CAMERA DEL LAVORO MILANO
Ritorna il nucleare.

ATENEO LIBERTARIO MILANO

LANCIANO IN MUSICA

ARCA FONDI MILANO

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